"Chiny I Lyudi" (1929) By Yakov Protazanov

From his early silent works, the great Russian film director, Herr Yakov Protazanov, made literary adaptations from equally great Russian writers, as is the case with “Chiny I Lyudi” ( Ranks And People ) (1929) in which three short stories by Chekhov, “Anna On The Neck”, “Death Of A Petty Official” and “Chameleon” were assembled for the silent screen.

“Anna On The Neck” tells the story the young and beautiful Anna ( Dame Mariya Strelkova ) who has just married an old but rich civil servant. Anna thinks her marriage will rescue her father and her two brothers from a miserable life of poverty. Anna becomes disenchanted fast when her rich husband turns out to be an avaricious and severe man. Anna’s sad life changes when she attends a posh ball and every man there, including the mayor, is charmed by her. Anna’s husband hopes to get business advantages through this but Anna is thinking of revenge.

The second episode, “Death Of A Petty Official” depicts the story of Herr Cherviakov ( Herr Ivan Moskvin ) who together with his wife attends a ballet; during the performance, the civil servant sneezes on a functionary of high rank and offers apology after apology all during and at the end of the spectacle. The general pays no mind to the incident but is harassed by this minor official who won't let the matter drop and, time after time, keeps on apologizing, writing letters asking for forgiveness or visiting the functionary at home.

In the third film episode,” Chameleon”, a small dog bites the finger of a passer-by. The furious man seizes it and asks two policemen to charge the owner of the dog. Both agents begin to draft the report but a change of attitude occurs at once when a man comes to tell them that this dog belongs to the mayor.

In the year 1929, to construct a film made of different episodes was an exciting idea and the successful final result ( very fanciful in this kind of film ) depends basically on the film structure. Although it's not really necessary for the different stories to be interconnected, this German count feels it's very advisable artistically to have a theme-even a minor one- linking the episodes within the film.

Like a “matryoshka” doll ( those Russian set of dolls of decreasing sizes placed one inside another ), in “Chiny I Lyudi”, little by little Herr Protazanov goes deeply into the complicated relationships between high or low ranks, or the everlasting and subtle fighting among different social classes. He studies in depth and with sobriety and skill, troublesome and basic human instincts and behaviours such as hypocrisy, fearfulness or forgiveness, (no need this time to be strictly and obviously incisive in such criticism). This is a solid oeuvre with complementary and enlightened meanings that will linger in the minds of the viewers long after the silent show has ended.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must close ranks with his fellow aristocrats.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Ya desde sus primeras obras silentes, el gran director ruso Herr Yakov Protazanov, adaptó para la pantalla silente obras literarias de, igualmente, grandes directores rusos, como acontece con el filme “Chiny I Lyudi” (1929), basado éste en tres relatos cortos de Herr Chejov, más especificamente, “Ana Al Cuello”, “Muerte De Un Funcionario” y “El Camaleón”.

“Ana Al Cuello” narra la historia de la joven y bella Anna ( Dame Mariya Strelkova ), casada recientemente con un rico y viejo hacendado; Anna cree que su matrimonio salvará a su padre y sus hermanos de la vida de pobreza que llevan, pero muy pronto Anna se dará cuenta de que su rico marido es un hombre rígido y avaricioso; desencantada, la triste vida de Anna cambiará cuando acude a un elegante baile en el cual todos los hombres allí reunidos quedarán fascinados por su belleza, incluyendo al alcalde, un hecho éste que el marido de Anna cree que le favorecerá para conseguir ventajas en sus negocios, todo lo contrario de lo que piensa Anna: venganza.

El segundo episodio del filme, “Muerte De Un Funcionario”, cuenta la historia de Herr Cherviakov ( Herr Ivan Moskvin ) el cual acude con su mujer a un espectáculo de ballet; durante dicha representación, dicho funcionario estornudará de forma accidental en el cuello de un alto funcionario, excusándose ante él por dicho hecho, una y otra vez hasta que el espectáculo finaliza.
El alto funcionario no da importancia al incidente pero es continuamente molestado por Herr Cherviakov, incapaz de olvidar dicho incidente, continuando con sus disculpas de forma continua, sea escribiéndole cartas solicitando su perdón o visitándole en su domicilio particular.

En el tercer episodio, “El Camaleón”, un perro muerde el dedo de un transeúnte; dicha persona, iracunda, agarra el perro solicitando a dos policías que averigüen a quién pertenece el can; ambos agentes inician una investigación pero cambian de opinión cuando un vecino les cuenta que dicho perro pertenece al alcalde.

Construir en el año silente de 1929, un filme elaborado de episodios independientes entre sí, era una idea novedosa a la cual su exitoso resultado final ( muy caprichoso en esta clase de obras ) se debe sobretodo a su estructura narrativa.
En estos filmes de episodios, no es necesario que exista una conexión directa entre los mismos, aunque este conde germánico cree oportuno, en términos artísticos, que exista por lo menos una mínima relación o conexión entre los diferentes segmentos de dichas obras.

Como una matrioska ( esas muñecas rusas que van encajando unas en otras ), en “Chiny I Lyudi”, Herr Protazanov, poco a poco, se va sumergiendo en las complicadas relaciones entre diferentes rangos y estamentos sociales, o la eterna y sutil lucha interclasista, estudiando además y en profundidad, de forma sobria y certera, problemáticos comportamientos o instintos humanos tales como la hipocresía, el miedo y el perdón, sin necesidad de ser demasiado severo u obvio en dichos planteamientos, consiguiendo así, una obra muy sólida con complementarias y lúcidas reflexiones sociales que permanecen en las mentes del espectador una vez que la sesión silente ha finalizado.

Y ahora si me lo permiten, les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que cerrar filas con sus camaradas aristócratas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Ménilmontant" (1926) By Dimitri Kirsanoff

There is an old German proverb that says that size doesn’t matter ( well, size does count for this count having in mind the perimeter of his Teutonic heiresses… ) and the saying rings true with “Ménilmontant” a medium-length silent film directed by Herr Dimitri Kirsanoff, and a striking, disturbing masterpiece.

Herr Kirsanoff's direction is astonishing in every aspect of the film, particularly in its technique. It's a mixture of drama, avant-garde, experimental film and hyper realism. The story depicted in the film ( the terrible life of two orphan sisters ) doesn’t allow any concession to the audience; to watch “Ménilmontant” today still invokes amazement, distress and an infinite sadness.

From the very start of the film ( superb, striking and masterful editing by Herr Kirsanoff himself ) the director shows power and imagination and a strong control of film narrative ( there is no need of intertitles ). Kiransoff's use of imagery is thrilling and brilliant. Images emphasize a ruined happy childhood and the duality and dangers of a big city ( flashbacks, imaginative camera angles, dreamy and poetic shots ) not to mention the sorrowful life of the two orphans, an existence of loneliness, abandonment and despair that broke the heart of a heartless German aristocrat, especially the superb scene in which the younger sister ( touching Dame Nadia Sibirskaia ) ,alone and hungry on a bench park with her baby, accepts some bread from an old man, a moving and lyrical scene, that summarizes the spirit and achievement of this oeuvre.

“Ménilmontant” is a work of art, a striking experimental style in the service of a tragic and sad story, brilliantly and disturbingly balanced.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must become a little livelier.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Existe un viejo proverbio germánico que dice que el tamaño no importa ( bueno, realmente el tamaño si importa para éste conde teniendo en cuenta el perímetro de sus herederas teutónicas… ) y dicho refrán es perfecto para “Ménilmontant”, mediometraje silente dirigido por Herr Dimitri Kirsanoff, una impactante, perturbadora obra maestra.

La dirección de Herr Kirsanoff es realmente sorprendente en cada parte del filme, destacando particularmente su aspecto técnico; “Ménilmontant” es una mezcla de drama, filme experimental y vanguardista, con ciertas dosis de hiperrealismo.
La historia que se muestra en el filme, la terrible vida de dos hermanas huérfanas, no hace concesiones al público, produciendo igualmente “Ménilmontant” hoy en día, asombro, desesperanza y una infinita tristeza.

Desde el mismo comienzo del filme ( poseedor de un magistral y sorprendente montaje a cargo del mismo Herr Kirsanoff ) el director muestra una poderosa imaginación y férreo control narrativo ( no hay necesidad de intertítulos explicativos ), empleando imagines emocionantes, brillantes; imagines que enfatizan una truncada infancia feliz además de la dualidad y los peligros de la gran ciudad ( flashbacks, imaginativos ángulos de cámara y oníricos, poéticos planos ), sin olvidarse de la tristísima vida de las dos huérfanas, una existencia repleta de soledad, abandono y desesperanza que consigue romper el corazón de un inhumano aristócrata germánico, especialmente la soberbia escena en la cual, la hermana más joven ( una conmovedora Dame Nadia Sibirskaia ), sola y hambrienta, sentada en un banco del parque con su criatura, acepta un trozo de pan de un anciano, una lírica y emocionante escena que resume el espíritu y los logros de ésta excepcional obra.

“Ménilmontant” es un gran trabajo artístico, poseedor de un sorprendente y experimental estilo, todo ello al servicio de una trágica y triste historia, un filme perturbador y brillantemente equilibrado.

Y ahora, si me lo permiten, les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que animarse un poquito.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

Early Herr Maurice Tourneur Silent Films

Due to chaotic but Germanic condition in the Schloss silent archives within that gloomy cellar, when the servants cleaned up and put it in order that place, some silent treasures appeared. From such a sinister and humid source recently comes two early silent films directed by the French (but great) director Herr Maurice Tourneur: “La Bergère d’Ivry” (1913) and especially “Figures De Cire” (1914) a film that it was considered lost until Herr Graf’s servants did their duties.


“La Bergère d’Ivry” was a silent work for “Éclair” films produced in 1913 and an excellent early oeuvre ( it is considered the earliest film that has survived of Tourneur career ).
The film tells the story of Dame Aimée ( Dame Renée Sylvaire ), a young shepherdess who is taken under the of Dame Hortense ( Dame Paulette Noizeux ), the wife of a village postmaster who accepts the love propositions of the Comte de Granval ( Henry Roussel). This is a very complicated subject because Aimée knows very well that Dame Hortense’s husband is a very jealous man. If he finds out he will not like such flirting, so in order to prevent a catastrophe, Dame Aimée will try to avoid such situation.

This short film is an early example of Herr Tourneur’s carefully artistic expertness and merits. The film has an excellent set design with bucolic and realistic outdoor sceneries in what it might be considered a mixture of film d’Art and naturalism film with the right doses of drama.

The film narrative of “La Bergère d’Ivry” is concise but direct and in spite of that the film is basically filmed with a static camera. Herr Tourneur knows very well how to profit from such a limited technical aspect ( on the other hand, a common practice in such early silent film productions ). This happens with a decisive shot in where the love misunderstandings and a threatening drama are solved by the gathering of the main characters in the same scene and a slightly enlarged shot to develop the crucial situations of the different characters as performed those by restrained actors (while showing emotions in a very conceivable way).

“Figures De Cire” (1914) was another work for “Éclair” films. If this German count remembers well it was Herr Tourneur second collaboration with Herr André de Lorde. Herr de Lorde was the master of the “Grand Guignol” genre, those theatrical works full of terrifying realistic elements such as murders, mutilations and other bloodcurdling situations that the Parisians liked so much at the beginning of the last century.

Due to those artistic references, not to mention that “Figures De Cire” was considered lost until 2007, the film is very estimable. This short film ( 11 minutes ) summarizes its theatrical references with the virtues of the “Grand Guignol” genre but transferred to the silent screen. Herr Tourneur was more interested in the psychological aspect of the story than to show effective special effects. For that reason, it is especially remarkable because of its ill, decadent and threatening atmosphere.

It is obvious that “Figures De Cire” was an illustrious reference for Herr Gance’s “Au Secours” (1924) ( Herr Gance made a comedy with basically the same plot that has “Figures De Cire”. That is to say, a man must spend a night in a sinister place in order to gain an important sum of money… by the way, in those silent times, bourgeois men were very stylish and spent those dreadful nights with top hat and tuxedos… ). More doubtful for this German count are some comments that said that Herr Tourneur film influenced Herr Leni’s notorious “Das Wachsfigurenkabinett” (1924) because, although many elements coincide in both films, the development of the story and the artistic intentions are completely different.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must find some more lost films in the Schloss cellar.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Debido al caótica, aunque germánica, condición en la que se encuentran los archivos silentes ubicados éstos en el siniestro sótano del Schloss, cuando los criados proceden a limpiar y poner un poco en orden dichas dependencias, es habitual que aparezcan tesoros silentes.

Y es que en tan húmedo y lúgubre lugar, se han encontrado dos filmes primerizos dirigidos por el afrancesado, aunque genial, director Herr Maurice Tourneur, “La Bergère d’Ivry” (1913) y especialmente “Figures De Cire” (1914), filme considerado como perdido hasta que los sirvientes de éste Herr Graf hicieron sus labores domésticas como corresponde.

“La Bergère d’Ivry” es una excelente obra primeriza silente producida para “Éclair films”en el año 1913, filme considerado como el más antiguo conservado hasta nuestros días de la filmografía de Herr Tourneur.
El filme narra la historia de Dame Aimée ( Dame Renée Sylvaire ), una joven pastorcilla que es acogida por Dame Hortense ( Dame Paulette Noizeux ), la mujer del cartero del pueblo, la cual acepta las proposiciones amorosas del Conde de Granval ( Herr Henry Roussel ), un hecho éste ciertamente problemático, pues Aimée bien sabe que si el marido de Dame Hortense se entera de dichos coqueteos, como es un hombre muy celoso, ello podría provocar una catástrofe, por lo cual Aimée intentará evitar tan trágica situación.

Este mediometraje es una buena muestra de la pericia y méritos artísticos de Herr Tourneur; un filme que tiene una excelente dirección artística además de bucólicos y realistas exteriores en lo que se podría considerar como un mezcla de “film d’Art” y obra naturalista con las justas dosis de drama.

El lenguaje cinematográfico de “La Bergère d’Ivry” es conciso, directo y ello a pesar de que prácticamente toda la obra está filmada con una cámara estática, aún así, Herr Tourneur sabe muy bien cómo sacar provecho de dichas limitaciones técnicas ( por otra parte, un hecho éste bastante habitual en las primerizas producciones silentes ) tal y como, por ejemplo, acontece en el decisivo plano final del filme en donde los malentendidos amorosos y un drama en ciernes se resuelve al reunir a todos los personajes en la misma escena, ampliando levemente el plano para poder así desarrollar tan cruciales situaciones con todos sus diferentes personajes, personajes interpretados por actores muy comedidos, los cuales muestran de forma muy convincente sus emociones.

“Figures De Cire” (1914) es otra producción para “Éclair films” y si éste conde germánico recuerda bien, se trata de la segunda colaboración cinematográfica de Herr Tourneur con Herr André de Lorde, el gran maestro del género denominado “Gran Guiñol”, o lo que es lo mismo, esas obras teatrales repletas de elementos terroríficos realistas tales como asesinatos, mutilaciones y otras sangrientas situaciones que hicieron las delicias del público parisino a principios del siglo pasado.

Debido a esas referencias artísticas, sin olvidarse igualmente que “Figures De Cire” estaba considerado como un filme perdido hasta el año 2007, dicha obra es muy valiosa.
Este cortometraje de unos escasos 10 minutos, resume las virtudes de sus referencias del teatro del “Gran Guiñol”, traspasando éstas a la pantalla silente, estando mucho más interesado Herr Tourneur en resaltar los aspectos psicológicos de la trama más que mostrar resultones efectos especiales, siendo por dicha razón, muy destacable su enfermiza, decadente y amenazante atmósfera.

Es obvio que “Figures De Cire” fue un ilustre referente para el mediometraje de Herr Gance, “Au Secours!” (1924) ( Herr Gance hizo una comedia con prácticamente la misma trama de “Figures De Cire”, esto es, un hombre debe pasar toda una noche en un siniestro lugar para poder finalmente ganar una importante suma de dinero… por cierto… durante aquellos silentes tiempos, los burgueses eran gente muy estilosa, pues pasaban esas terroríficas noches en esmoquin y con sombrero de copa… ), siendo más dudosos para éste conde germánico, ciertos comentarios que hablan de la influencia del filme de Herr Tourneur en el célebre filme de Robert Leni, “Das Wachsfigurenkabinett” (1924), pues si bien es cierto que muchos elementos de la trama son coincidentes en ambos filmes, el desarrollo posterior de la historia y sus intenciones artísticas son completamente diferentes.

Y ahora, si me lo permiten, les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que encontrar más filmes perdidos silentes en el sótano del Schloss.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Der Rosenkavalier" (1925) By Robert Wiene

From the beginning, silent film showings were not silent; depending on the status of the theatre, different melodies accompanied always those film showings. Coughing or marital discussions together with children howling were the music accompaniment in small theatres of towns without resources; improvised or popular songs were played at the piano in medium theatres in provincial towns; orchestras provided the music in elegant theatres in reputable and important capital cities.

Some important European composers were seduced by the possibilities and importance of the cinema and composed or adapted their own compositions to be played live in those important theatres. This happened with the German composer Herr Richard Strauss who recomposed and adapted his famous and successful opera “Der Rosenkavalier” ( The Knight Of The Rose ) for the screen, capturing the spirit of that musical comedy of three acts, not to mention that the screenplay was written by Herr Hugo von Hofmannsthal, the opera’s librettist, and last but not least, the great German director Herr Robert Wiene, directed the film version for the silent screen, three German aces in the same silent project, certainly.

Obviously the German aristocrats prefer to watch ( while catching up on their sleep ) opera at the Opera House and not in a coarse theatre but it must be admitted that this silent film adaptation provides a good vehicle for lazy and modern youngsters to acquaint themselves with such an elegant musical spectacle.

The story: While her husband is becoming famous in the war, the marshal of Werdenberg's wife consoles herself in the arms of the youngster Octavian and tries to arrange the love affairs of her cousin, the baron Ochs, by presenting him to young Sophie. This baron is taken with her and the Marschallin proposes Octavian to be his “Rosenkavalier” in order to present the traditional silver rose to his fiancée. But youngsters are youngsters and sex hormones hold sway over the whole world so for that reason immediately Octavian and Sophie fall in love with each other…

This film adaptation of “Der Rosenkavalier” is one of the better of “grandiose” German costume films and Teutonic film operetta. It's an elegant and romantic film beautifully made in artistic terms ( excellent and varied set design, not to mention, obvious soigné costumes ) , technically excellent and wittily made ( flashbacks and a Sibylline use of the ellipsis ) in order to condense and adapt Herr Strauss’ opera original story for the screen. This hard task is very well accomplished, summarizing successfully three aristocratic love stories full of love conspiracies and maintaining intact the spirit of the opera on which it was based ( it combines the theatrical and cinema virtues very well ). It does not depend exclusively on its musical spectacle merits but works as an independent and original film production. The many classic court ceremonies and the elegant atmosphere makes for one of those delicious and decadent German exaggerated operettas that the aristocracy likes so much.

“Der Rosenkavalier” was excellently and recently restored by the German-French TV. Channel “ARTE” which reconstructed the missing end of the film with some stills and obviously includes the original Herr Strauss film score. The restored silent film was premiered at Dresden ( that German city that some bad-mannered youngsters blew into pieces sometime ago ) in the “Semperoper”, that magnificent Semper Opera House in which in the year 1925 Herr Strauss’ “Der Rosenkavalier” made its first stage appearance.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must dance a waltz and sing an aria at the same time.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Desde sus inicios, las proyecciones silentes no eran del todo silentes; dependiendo del estatus del teatro, diferentes melodías acompañaban las proyecciones.
Toses, discusiones matrimoniales o niños berreando, eran el acompañamiento musical en los pequeños cines de pueblos sin demasiados recursos; improvisadas melodías o canciones populares eran tocadas al piano en teatros de ciudades con posibles y grandes orquestas eran las encargadas de poner música en los elegantes cinemas de prestigiosas capitales.

Algunos importantes compositores europeos fueron enseguida seducidos por las posibilidades e importancia del cinematógrafo, componiendo o adaptando sus propias composiciones para ser tocadas en director en importantes teatros.
Así hizo el gran compositor germánico Herr Richard Strauss el cual recompuso y adaptó su famosa y exitosa ópera “Der Rosenkavalier” para el cine, capturando el espíritu de su comedia musical en tres actos, sin olvidarse igualmente que el guión de dicha adaptación cinematográfica fue escrito por Herr Hugo von Hofmannsthal, el libretista de la ópera original y finalmente, el gran director teutón Herr Robert Wiene, dirigió la versión cinematográfica para la pantalla silente, tres ases germánicos para un mismo proyecto silente, ciertamente.

Obviamente los aristócratas germánicos prefieren ver ( y dormir ) la ópera en la Ópera y no en un vulgar cinema aunque de todas formas hay que admitir que esta adaptación silente es un buen vehículo para que los perezosos y modernos jovenzuelos se familiaricen con tan elegante espectáculo musical.

La historia de “Der Rosenkavalier” es la siguiente: mientras su marido se hace famoso en la guerra, la mujer del mariscal Werdenberg se consola en los brazos del joven Octavian y al mismo tiempo intenta arreglar los asuntos amorosos de su primo, el barón Ochs, presentándole al susodicho, la joven Sophie; la mujer del mariscal propone a Octavian para ser el “Rosenkavalier” del barón, esto es, el encargado de ofrecerle a la prometida la tradicional rosa plateada, pero los jóvenes son siempre los jóvenes y sus hormonas sexuales iguales en todo el mundo y por esa razón Octavian y Sophie se enamoran el uno del otro…

La adaptación cinematográfica de “Der Rosenkavalier” es uno de esos “grandiose” filmes de época germánicos además de una operetta teutónica; es un elegante y romántico filme, bellamente realizado en términos artísticos ( excelentes y variados decorados sin olvidarse, obviamente, de un cuidadoso vestuario ), técnicamente e ingeniosamente hecho, incluyendo flashbacks y un sibilino uso de la elipsis, esto último para así condensar y adaptar la ópera de Herr Strauss para la pantalla silente.
Esta ardua tarea está más que lograda, resumiendo exitosamente tres aristocráticas historias de amor y sus conspiraciones, manteniendo intacto el espíritu de la obra en la cual están basadas ( el filme combina las virtudes teatrales y las cinematográficas perfectamente ), no dependiendo exclusivamente de los méritos de la ópera original, pues el filme funciona perfectamente como una independiente, original producción cinematográfica.
Las clásicas ceremonias de la corte y la elegante atmósfera del filme, consiguen que sean una de esas deliciosas, decadentes y exageradas operetas que la aristocracia gusta tanto.

“Der Rosenkavalier” ha sido excelentemente y recientemente restaurado por el canal televisivo germánico-afrancesado “ARTE”, reconstruyendo la parte final perdida del filme con algunos fotogramas, además de incluir, obviamente, la partitura original de Herr Strauss; el filme restaurado fue estrenado en Dresde ( esa ciudad germánica que algunos maleducados melenudos destrozaron hace algún tiempo ) en el “Semperoper”, el teatro de Ópera de dicha ciudad, el mismo en el cual en el año 1925, Herr Strauss estrenó su ópera “Der Rosenkavalier”.

Y ahora si me lo permiten, les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que bailar un vals y cantar un aria al mismo tiempo.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

Silentes Soirées Pra Melenudos

Coma vostedes coñecen ben, éste Herr Graf posúe un decadente cinema no Schloss que lle permite ollar coa esixencia e privacidade pertinente, os filmes silentes arquivados no humido soto do devandito Schloss, dese xeito evítase ter que sair fora de tan escuro e lúgubre recinto pra visionar eses filmes de outrora; ainda tendo en conta estes típicos e lóxicos privilexios aristocráticos, éste Herr Von celebra ( calquera excusa é boa pra poder comezar unha soirée... ) que de cando en vez tamén os melenudos que non teñen fortunas persoais ( ou alleas ) e que de tódolos xeitos demostran estar igualmente interesados polo cinema silente, teñan tamén a oportunidade de poder asistir a magníficas proxeccións mudas tal e como acontecerá en breve nas inmediacións do Schloss.

Nesta segunda edición dese mini-ciclo silente, poderánse ollar grandes e moi coñecidas obras mestras cómicas ( excelente excusa pra que éste Herr Graf non saia do seu refuxio xermánico, pois hai que manter o rictus teutón intacto ), proxeccións silentes que irán acompañadas de música en directo, salientábel feito éste que convirte esas sesións silentes nunha magnífica oportunidade, con inconfundíbel e fascinante ambiente decadente, pra melenudos con curiosidade silente que deseguro ficarán definitivamente atrapados nas gadoupas do irrepetíbel cinema mudo.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"The White Sister" (1923) By Henry King

“The White Sister”, a film directed by Herr Henry King in the silent year of 1923, depicts the unfortunate fate of its heroine, an aristocrat and rich Italian girl ( a strange fact this because to be rich and an aristocrat are not synonymous in Germany… ).
Because the main character of the film, Dame Angela Chiaromonte ( Dame Lillian Gish ) suffers what fate has in store for her (and believe it or not, it is not to attend decadent soirées) this German count will relate the sad tale right now…

Dame Angela is in love with the young, handsome captain Herr Giovanni Severini ( Herr Ronald Colman ). They are engaged and want to seal their love pretty soon but Dame Chiaromonte’s ill fate doesn’t permit such happiness and delivers the first blow when Dame Chiaromonte’s father dies while riding with his hounds. This is not a serious problem in itself, you know: your rich father dies unexpectedly and in that same moment you inherit an enormous fortune. That’s the usual proceedings in Deutschland… but the problem is that Dame Chiaromonte has an elder and evil stepsister ( natürlich! ), Marchesa de Mola ( Dame Gail Kane ). She has plenty of malicious intentions and drives our heroine from her estate and takes away her inheritance, having secretly burned her father’s will.

Penniless, Dame Chiaromonte has to bear the further indignity of having her fiancée’s father decide to cancel the marriage and to make things worse her fiancée is assigned to a distant land in where he will be attacked by natives and declared officially dead..... So, besides penniless, Dame Chiaromonte is also loveless!. Desperate, she decides to become a nun ( a desperate decision, certainly ), devoting herself to people even worse off than herself( selfish solace ). Then, many years later, Herr Giovanni appears; he find out that his fiancée has become a pious nun so he abandons any lascivious feelings for her.

Ah!... you can’t find any comfort, any hope in such miserable love story and even Dame Chiaromonte devoted and pious life doesn’t have any reward from her master as the German saying “to drown one’s sorrows” doesn’t work here because Gott’s wrath, in the form of a volcanic eruption ( Vesuvius namely ) causes a flood, drowning Herr Giovanni while he was helping to save the lives of the poor people who lived under Vesuvius.

“The White Sister” it is one of those classic “larger than life” film stories successfully directed by Herr King ( excellent pacing and film narration makes its 140 minutes seem shorter ). It's a good example of those powerful oeuvres full of conservative and high values and principles of the old epochs ( self-sacrifice, strong convictions, religious devotion, chastity ) that includes beautiful scenery, art direction and devoted, solid and convincing performances by Dame Lillian Gish ( a candid heroine ) and Herr Ronald Colman ( a long-suffering man in love ), it makes for a great film although one dated in these modern times in which such strong convictions and decisions, aren't acceptable motivations in pseudo-realistic terms but seem more like sci-fi to contemporary audiences.

And now if you’ll allow me, I must temporarily take my leave because this German count must sacrifice himself by going to another decadent soirée.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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“The White Sister”, filme dirigido en el año silente de 1923, narra el trágico destino de su heroína, una señorita italiana aristócrata y rica, un extraño hecho éste, ciertamente, pues se rico y aristócrata no son sinónimos en Germania… un filme en el cual su principal protagonista, Dame Angela Chiaromonte ( Dame Lillian Gish ) sufre lo que le depara el destino ( y aunque no se lo crean, no es asistir a decadentes soirées ) toda una triste historia que éste conde germánico les relatará inmediatamente.

Dame Angela está enamorada del joven y guapetón capitán Herr Giovanni Severino ( Herr Ronald Colman ), ambos están prometidos y quieren sellar dicho amor muy pronto pero el trágico destino de Dame Chiaromonte no permite tanta felicidad y procede a dar su primer golpe…
Mientras el padre de nuestra heroína está de cacería, éste muere accidentalmente, tampoco es un grave hecho en si mismo, esto es, muere tu rico padre de forma inesperada e inmediatamente heredas una enorme fortuna, ése es el procedimiento normal en Germania… pero el problema es que Dame Chiaromonte tiene una mayor y malvada ( natürlich! ) hermanastra, la Marchesa de Mola ( Dame Gail Kane ) de pérfidas intenciones, la cual echará a nuestra heroína de su hacienda además de quedarse con toda la herencia al quemar secretamente el testamento de su padre.

Hallándose sin recursos económicos, Dame Chiaromonte tendrá que soportar una nueva indignidad cuando el padre de su prometido decide cancelar sus planes de matrimonio y para empeorar aún más las cosas, el prometido de nuestra heroína es destinado a un lejano destino en donde será atacado por nativos del lugar y declarado oficialmente muerto… por lo cual además de estar sin recursos económicos, Dame Chiaromonte ahora está también sin su querido amor.
Desesperada, decide hacerse monja ( una decisión desesperada, ciertamente… ) dedicándose en cuerpo y alma a gente que se encuentra en peor situación que ella, todo un egoísta consuelo, ciertamente…
Cuando años más tarde, Herr Giovanni aparece de forma inesperada, descubrirá que su prometida se ha convertido en una pía monja, evitando por lo tanto todo sentimiento lascivo hacia la susodicha.

¡Ah!... pero no hay consuelo ni esperanza en tan triste historia de amor pues a pesar de la vida beata y pía de Dame Chiaromonte , ésta no se ve recompensada por su jefe tal y como se presume en el dicho germánico de que “Gott aprieta pero no ahoga”, pues la ira de Gott en forma de erupción volcánica ( el Vesubio, más exactamente ) causará una inundación en la cual Herr Giovanni muere ahogado mientras ayuda a salvar la vida de la pobre gente que vive bajo el volcán.

“The White Sister” es una de esas clásicas historias “larger than life”, exitosamente dirigida por Herr King ( excelente ritmo narrativo que hace corto el largo metraje de 140 minutos del filme ) y un buen ejemplo de esas poderosas obras repletas de conservadores principios y grandes valores de épocas antiguas ( autosacrificio, poderosas convicciones, devoción religiosa, castidad ) en la cual se incluye bellos escenarios y cuidada dirección artística, además de sólidas y convincentes interpretaciones de Dame Lillian Gish ( nuestra cándida heroína ) y Herr Ronald Colman ( sufrido hombre enamorado ), consiguiendo un gran filme aunque ciertamente anticuado para estos tiempos modernos en donde tan poderosas convicciones y decisiones personales no son creídas al ser tratadas en términos pseudo-realistas, pareciéndole más bien ciencia-ficción al público contemporáneo.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que sacrificarse acudiendo a otra decadente soirée.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"La Sirène Des Tropiques" (1927) By Mario Nalpas & Henri Étiévant

During the 20’s, the Weimar nights were fabulous, full of exciting and decadent cabarets in which this German count spent many glorious soirées but it is fair to say that also in Paris, the Parisians knew how to have fun.

Dame Josephine Baker, Amerikan from birth, French by adoption, was the indisputable queen, a legend of the Parisian nights during the 20’s, an enormous singer and entertainer that did delight the French bourgeoisie during the past century.

Dame Josephine Baker had a short film career, appearing from time to time in some films and, as it happens, in “La Revue Des Revues” recently reviewed by this German count. “La Sirène Des Tropiques, a film directed hand-in-hand by Herr Mario Nalpas and Herr Henri Étiévant, was her first full-length film as leading actress.

The most important aspect of “La Sirène Des Tropiques” is that it is a film with Dame Baker and this is the perfect excuse to watch this film. For Dame Baker fans or for ignorant longhaired youngsters who still don’t know her, that’s the most attractive aspect of the work because, in artists terms, the film it is an absolute failure.

The plot’s topic about the tropics; engineer Berval ( Herr Pierre Batcheff ) is sent to Monte Puebla by his boss the Count Severo ( Herr Georges Melchior ) in order to study the possibilities of mineral extraction from the mines that belongs to his chief. But the wicked Count ( a classical reiteration… ) inner intentions is that Berval never return to France. In this way he doesn’t have any obstacle in order to get Denise’s love ( Dame Regina Thomas ). Meanwhile in Monte Puebla, Berval will meet Papitou ( Josephine Baker ) who is a sparkling indigene that will fall in love with him. She doesn’t hesitate to pursue Berval to Paris where finally she will find out that he loves Denise but on the other hand she will become a music-hall star.

The film is full of intrigues and satires (but this is too formulaic and with simple characters ). The result is an unwise mixture of genres in one film ( adventure, drama, musical, ) with plenty of bad performances including Dame Baker. This in spite of the fact that she plays a kind of free spirited girl, but similar to a cartoon character, a “pecata minuta” in itself. Our heroine was more interested to dance the Charleston than properly act. This is demonstrated at the end of the film, which includes an excerpt of her talented dancing. That’s enough for Dame Baker fans and dissipated German aristocrats.

And now if you’ll allow me, I must temporarily take my leave because this German count must unknot his knees before dancing Charleston.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Las noches de los años 20 fueron fabulosas, repletas de excitantes y decadentes cabarets en los cuales este conde germánico pasó muchas y gloriosas soirées, aunque también es justo decir que en París, los parisinos también sabían cómo divertirse.

Dame Josephine Baker, americana de nacimiento y afrancesada por adopción, fue la incuestionable reina, toda una leyenda de esas noches parisinas durante los años 20, una excelente artista y bailarina que hizo las delicias de la burguesía francesa durante el siglo pasado.

Dame Josephine Baker tuvo una corta carrera cinematográfica, apareciendo de cuando en vez en filmes, tal y como sucedió en “La Revue Des Revues”, filme recientemente comentado por éste conde germánico, siendo “La Sirène Des Tropiques”, filme dirigido a cuatro manos por Herr Mario Nalpas y Herr Henri Étiévant, su primer largometraje como protagonista.

El aspecto más importante de “La Sirène Des Tropiques” es que se trata de un filme con Dame Baker y ello ya es suficiente excusa para contemplar dicha obra, tanto para admiradores de la artista americana como para jóvenes ignorantes melenudos que todavía no la conocen, siendo su aparición en dicho filme lo más atractivo de dicho obra, pues en términos artísticos, el filme es un fracaso.

La trama es un tópico sobre el trópico: el ingeniero Berval ( Herr Pierre Batcheff ) es enviado a Monte Puebla por su jefe, el conde Severo ( Her Georges Melchior ) para estudiar las posibilidades de extracción de mineral en las minas que posee, aunque las intenciones reales de tan pérfido conde ( clásica reiteración… ) es que su empleado no vuelva a Francia nunca más y de esa forma no tener ningún obstáculo para conseguir el amor de Denise ( Dame Regina Thomas ).

Mientras tanto en Monte Puebla, Berval conocerá a Papitou ( Josephine Baker ) una dicharachera indígena que se enamorará de él e incluso no dudará en seguirlo hasta París para finalmente descubrir allí que realmente a quién ama Berval es a Denise y cómo no hay mal que por bien no venga, Papitou se convertirá en toda un estrella del music-hall.

El filme está también repleto de intrigas y sátiros ( esquemáticos y simples personajes ), teniendo como resultado final, una pésima mezcla de géneros ( aventura, drama, musical ) repleta de malas interpretaciones, Dame Baker incluida, ( cierto interés tiene su personaje de chica desinhibida similar a un dibujo animado ) una “pecata minuta”, pues nuestra heroína estaba más interesada en bailar el charlestón que en actuar de forma correcta, tal y como queda demostrado al final del filme en el cual se incluye un ejemplo de su talentosas dotes danzarinas, más que suficiente para admiradores de Dame Baker y para disipados condes germánicos.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que desanudarse las rodillas tras haber bailado el charlestón.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Potseluy Meri Pikford" (1927) By Sergei Komarov

In July 1926, Mary Pickford and Douglas Fairbanks visited Moscow. Taking advantage of this important and curious social film anecdote for the Bolshevists, Herr Sergei Komarov ( Herr Kuleshov’s disciple and an actor and sometimes, director ) filmed them in different locations and later used this footage to make a full-length silent comedy unbeknownst to those Amerikan stars.

“Potseluy Meri Pikford” ( The Kiss From Mary Pickford ) tells the story of Goga, an usher in a movie theatre ( Herr Igor Ilyinsky, a very important Russian comic actor of that time ) who is in love with Duzya ( Dame Anel Sudakevich ), an aspiring and unsuccessful young actress who doesn’t pay attention to him; on the contrary, Duzya loves madly film stars like Douglas Fairbanks and his movies. In order to win Duzya's love, Goga goes to a strange place called Laboratory of Experimental Studies and in there, after suffering many difficult tests; he gets a diploma as an important cinema stuntman. When Mary Pickford herself visits the studio, Goga does a love scene in which he is kissed by the Amerikan star, becoming in that same moment Goga the celebrity, a new idol for the hysterical girl silent fans, including Duzya… but to be a film star has its problems too…

There are many interesting aspects to this film that make it unique; the first one is that the obvious Amerikan influence is not only restricted to Douglas Fairbanks and Mary Pickford appearances because the Amerikanization affects too the classical film narrative concept of the oeuvre, that is to say, a classical film comedy starring a clumsy hero who will have to perform many difficult tasks in order to gain the affection of his beloved. And typical of this type of work there are many stunts, pratfalls and hilarious mimics that reminded this German count of Herr Charlie Chaplin work.

Another important and remarkable aspect of “Potseluy Meri Pikford” is that in the whole film there is not any political reference and no trace of those communist subjects so important for the U.S.S.R. film directors ( in case they forgot their duties, there were many convincing methods of persuasion… ) This is extraordinary given that films made in that country in those early times always had political references of one kind or another ( Praise for the Party, scorn for bourgeoisie and denunciations of the corrupt capitalist world ). Those subjects were inevitably a main part of the story often to the detriment of the film.

“Potseluy Meri Pikford” is a “rara avis” in the Russian silent film cinema for its lack of politics and special film achievements as well as being a funny, harmless and classic comedy, perfectly accessible on both sides of the iron curtain.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must give a chaste kiss to one of his Teutonic heiresses.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Durante el mes de julio del año 1926, Mary Pickford y Douglas Fairbanks visitaron la ciudad de Moscú; aprovechándose de esta curiosa e importante anécdota social para los bolcheviques, Herr Sergei Komarov ( discípulo de Herr Kuleshov, actor y ocasionalmente director cinematográfico ) filma a la célebre pareja en diferentes escenarios y posteriormente usará dicho material, sin tener conocimiento del mismo los susodichos, para realizar un largometraje, una comedia silente.

“Potseluy Meri Pikford” cuenta la historia de Goga, acomodador de un cine ( Herr Igor Ilyinsky, importante actor cómico ruso de la época ) el cual está enamorado de Duzya ( Dame Anel Sudakevich ), una aspirante a actriz con poco éxito, la cual presta poca atención a su pretendiente, todo lo contrario, pues está locamente enamorada del actor Douglas Fairbanks y sus películas.
Para conseguir el amor de Duzya, Goga acude a un extraño lugar, un laboratorio para experimentos fílmicos y tras superar y sufrir allí complicadas pruebas, consigue finalmente un diploma que lo acredita como un importante especialista.
Cuando Dame Pikford visita el estudio, Goga protagoniza una escena de amor durante la cual besa a la estrella americana, convirtiéndose a partir de dicho momento, en toda una celebridad, un nuevo ídolo para las histéricas fans del celuloide, Duzya incluída, aunque ser una estrella cinematográfica tiene también sus problemas…

Hay varios aspectos interesantes en este filme que lo hacen único, siendo el primero de ellos la obvia influencia americana, no solamente circunscrito a la presencia de Douglas Fairbanks y Mary Pikford, si no en el hecho de que la “americanización” afecta también al filme en su clásica narración cinematográfica y en el concepto global de la obra, esto es, una comedia clásica protagonizada por un torpe héroe que tendrá que superar difíciles pruebas para conseguir finalmente el amor de su amada, típico personaje a juego con una interpretación repleta de caídas, hilarantes muecas y malabarismos varios, muy deudora, para éste conde germánico, de la obra de Herr Charlie Chaplin.

Otro importante aspecto de “Potseluy Meri Pikford” es el hecho de que durante todo el filme no se incluye ninguna referencia política, ningún rastro de esos temas comunistas tan importantes para los directores cinematográficos de la U.R.S.S. ( en caso de que dichos directores se olvidasen de sus obligaciones, había convincentes métodos de persuasión para recordárselos… ), todo un hecho extraordinario éste pues prácticamente todos los filmes realizados en ese país durante esa época, incluían siempre referencias políticas de distinto tipo ( alabanzas al Partido, mofa de la burguesía o críticas hacia el corrupto mundo capitalista ), temas que inevitablemente formaban parte principal de la historia y muchas veces en detrimento artístico de la misma.

“Potseluy Meri Pikford” es una “rara avis” en la cinematografía soviética precisamente por esa falta de referencias políticas además de sus logros cinematográficos, resultando ser una divertida, blanca y clásica comedia silente, perfectamente accesible a ambos lados del telón de acero.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que dar un casto beso a una de sus herederas teutonas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Voyage Au Congo" (1927) By Marc Allégret

From the years 1926 to 1927, Herr Marc Allégret accompanied Herr André Gide on his trip to French Equatorial Africa; in connection with this trip, Herr Gide wrote a journal called “Voyage Au Congo”. Herr Allégret put the trip in images and used the same title to make his first silent film. This frenchified director would soon embark on a successful career in the talkies.

Herr Gide’s book criticized openly French colonialism and financial interests of that European country in their African colonies but Herr Allégret's documentary is more focused on anthropological and ethnological aspects.

In those early silent years, to watch “Voyage Au Congo” was a kind of enlightening exercise, an excellent chance for curious audiences to discover different cultures, customs and behaviours. Audiences watched the film without reference to political matters or any controversy. Instead they saw various African tribes and how they lived their daily lives (farming, harvesting) and their own individual customs (their special soirees and dances, marriage rituals, etc).

As this German count said “Voyage Au Congo” is an interesting example of the documentary genre thanks to its didactic aspect but it must be noted that inherently in this film genre exists what this German count calls the “documentary imposture” or reality manipulation, harmless in this oeuvre that covers daily situations and uses those images only for artistic interests ( the engagement process, some tribal dances and customs ) and for the sake of illustrative film aspects but more terrible in other cases when the director changes or subverts the reality to serve his own interest.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must dance Teutonic and aristocratic dances.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Durante los años 1926 y 1927, Herr Marc Allégret acompañó a Herr André Gide en su viaje a la África ecuatorial francesa; durante y en relación con dicho viaje, Herr Gide escribió un libro titulado “Voyage Au Congo”, filmando Herr Allégret un documental con el mismo título y recorrido, siendo éste su primer filme silente; éste afrancesado director iniciaría a partir de entonces una exitosa carrera sobretodo durante la época sonora.

El libro de Herr Gide critica de forma abierta el colonialismo francés y los intereses económicos de dicho país europeo en sus colonias africanas, centrándose más Herr Allégret en su documental, en los aspectos antropológicos y etnológicos de dicho viaje.

Durante esos años silentes, contemplar “Voyage Au Congo” era una excelente oportunidad para públicos curiosos, de descubrir culturas, costumbres y comportamientos diferentes, siendo éste documental una especie de ejercicio ilustrativo, todo ello evitando referencias políticas o polémicas varias, al mostrar el filme variadas tribus africanas en su acontecer diario ( sembrando, cosechando ) o bien sus costumbres más ancestrales ( particulares soirées, bailes, rituales matrimoniales, etc ).

Como éste conde germánico ha comentado recientemente, “Voyage Au Congo” es un interesante ejemplo del género documental gracias a su didactismo, aunque hay siempre que señalar que de forma inherente a dicho género cinematográfico, también existe lo que éste conde teutón denomina como la “impostura del documental” o la manipulación de la realidad, inofensiva en esta obra cinematográfica que manipula aspectos cotidianos utilizando dichas imagines exclusivamente para intereses artísticos ( tal y como sucede durante el proceso de la pedida de mano o algunas danzas y costumbres típicas ) o utilizadas para aspectos ilustrativos, siendo mucho más terrible en otros casos cuando el director manipula o subvierte la realidad para servir a su propio y único interés.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que bailar algunas aristocráticas y tribales danzas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"The Monkey Talks" (1927) By Raoul Walsh

If there is a peculiar, outstanding, amazing and special film genre during the silent era, that’s the circus movie.

These films often have the most bizarre plots, full of strange, morbid atmosphere and odd characters who act as though caught between the human and animal worlds. The thin line between the two worlds often has fatal results.

“The Monkey Talks”, directed by Herr Raoul Walsh, has all those special and peculiar qualities, beginning with the strange main plot,: Two comrades, Herr Fano ( Jacques Lerner ) and Herr Pierre ( Don Alvarado ) from the WWI meet accidentally through the fault of an evil woman, Dame Maisie ( Jane Winton ) Herr Pierre wants to forgive her, but the circus they work in goes bankrupt. Fano and Pierre decide to invent a new sensational entertainment in order to amaze the decadent Paris audience: a monkey who talks. Of course, if Paris is involved in such a strange story, then love is all around, here embodied by Dame Olivette ( Olive Borden ) a tightrope walker. And last but not least, the two comrades fall in love with her and that’s a problem if one of them is a fake monkey.

In such environment, danger abounds in the form of ferocious animals, abnormal people or suspicious circus workers who must live together in a small place so when pure evil unexpectedly appears in there, (The old and troublesome love Dame Maisie shows up again ), that means tragedy and horror are bound to follow.

The characteristics typical of circus films mean that the entertainment is guaranteed in spite of Herr Walsh's conservative film direction ( this German count would like to see more malice in there ). There are some remarkable scenes thanks to such a surreal plot in which the imagination runs wild and there is also technical skill ( the stairs sequence filmed with a vertical gear). Surely, the most bizarre scene takes place at the climax: Olivette is attacked by a real monkey-and to make matters more surreal- two monkeys fight for the same girl, one the official fake monkey of the film but the second one is supposed be an actual but is obviously an actor playing a monkey too!!!... Silent monkey business, certainly… In addition, the roof scenes have a slightly Expressionist look and of course there is the tragic and violent finale so typical of the circus genre. These achievements rescue “The Monkey Talks" from being just an obscure circus movie.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must monkey around with his Teutonic heiresses.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Si hay un especial, particular, sorprendente y destacable género cinematográfico durante la época silente, ése es el género cinematográfico circense.

En dichas obras se pueden encontrar habitualmente extrañas tramas, repletas éstas de oscuros, enfermizos ambientes en los cuales extraños personajes se hallan atrapados entre dos mundos, el humano y el animal y la delgada línea que hay entre ambos mundos a menudo tiene fatales consecuencias.

“The Monkey Talks”, filme dirigido por Herr Raoul Walsh, tiene todas esas especiales y particulares cualidades del género circense, comenzando por el argumento de la obra en la cual dos camaradas, Herr Fano ( Jacques Lerner ) y Herr Pierre ( Don Alvarado ) ex-combatientes de la primera guerra mundial, se encuentran de forma accidental y por culpa de una mujer malvada, Dame Maisie ( Jane Winton ); Herr Pierre es el que quiere especialmente olvidarla y cuando el circo en el cual ambos trabajan es embargado, Fano y Pierre idean una nueva y sensacional atracción circense para así sorprender al decadente público parisino: un mono que habla.
Y si la ciudad de París está involucrada en tan extraña historia, entonces el amor está cerca y personificado en esta ocasión por Dame Olivette ( Olive Borden ), una equilibrista y si además los dos camaradas está enamorados de la susodicha y uno de ellos es un falso mono, entonces hay problemas a la vista.

En tan peculiar escenario, los peligros acechan en forma de fieros animales, gente deforme y sospechosos trabajadores circenses los cuales deben vivir conjuntamente en un reducido espacio, por dicho motivo, cuando el mal personificado aparece de forma inesperada en ese ambiente ( la problemática Dame Maisie y su conflictivo amor aparece de nuevo en escena ), es suficiente para que ello lleve a la tragedia y el horror.

Las típicas características que se pueden encontrar en el género silente circense son más que suficientes para que el entretenimiento esté garantizado tal y como acontece en este filme y a pesar de cierto conservadurismo en la dirección de Herr Raoul Walsh ( este conde germánico gustaría poder ver más malicia en dicha obra ) aunque de todas formas hay destacadas escenas gracias a tan surreal trama de imaginación desatada y ciertos aspectos técnicos tales como la escena de las escaleras rodada con grúa vertical, aunque la escena más bizarra tiene lugar durante uno de los momentos más importantes del filme, cuando Dame Olivette es atacada por un supuesto mono real y es que dentro del surrealismo del filme, en dicha escena, dos monos luchan por la misma chica, uno, el mono falso y oficial del filme y el segundo el supuesto mono real el cual se puede comprobar de forma evidente que ¡es también de otro actor haciendo el mono!… monerías silentes, ciertamente…
Hay que destacar también las escenas que transcurren en los tejados al poseer éstas cierto aire Expresionista y por supuesto el trágico y violento “finale” tan típico del género silente circense, una suma de logros que hacen de “The Monkey Talks” una destacable y oscura película de dicho género cinematográfico.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que hacer ciertas monerías a sus herederas teutónicas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Yvette" (1928) By Alberto Cavalcanti

Dame Yvette ( Dame Catherine Hessling more Hessling than ever ) is a dissipated girl, who lives accordingly a dissipated life together with her mother ( Dame Ica von Lenkeffy ). It's a kind of false bourgeois life in which economic interests ,undertaken to achieve a social position, are the principal subject, especially for Yvette’s mother who will try to make her daughter understand those particular principles when Yvette begin questioning that way of life when she finds true love.

“Yvette” was one of the first silent films directed by Herr Alberto Cavalcanti in his French period and is based on a Herr Guy de Maupassant story. This film adaptation is uneven; basically nothing much happens and the story seems very padded out. The original story by Herr Maupassant is a satire full of incisive social criticism but Herr Cavalcanti doesn't know how to take advantage of its richness. Herr Cavalcanti chooses to ignore the story's more profound aspects and concentrates instead on a rather superficial love story that doesn't even seem to interest the lovers themselves. Nevertheless the film can be appreciated for its minor criticism of the hedonist life, stressing the prejudices of the main characters and even the dubious origins of the social position that Dame Yvette and her mother enjoy ( in the original Herr Maupasant story, Yvette is an illegitimate daughter ).

Bypassing the more original aspects of the story, the film goes forward in a narrative void, showing the boring and unimportant soirées ( both words are synonymous ) that Dame Yvette attends, not to mention her unrequited love, a bore itself.

Only at the end of the film is there a little interest and some inventiveness with the sequence of Dame Yvette 's suicide attempt; once our desperate heroine gets the poison there is an image trick that turns the poison label with the classic human skull into a strange and tropical ball mask (politically incorrect in these modern days). This bizarre moment is the best part of the film but then the mood is ruined with a clumsy ending.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must resume his exhilarating aristocratic life.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien


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Dame Yvette ( Dame Catherine Hessling, más Hessling que nunca ) es una chica disipada, la cual, consecuentemente…, lleva una vida muy disipada conjuntamente con su madre ( Dame Ica von Lenkeffy ); ambas viven en una especie de falsa burguesía en donde los intereses económicos para conseguir una posición social, es su principal interés, especialmente para la madre de Yvette la cual intentará convencer a su hija que esos particulares principios son primordiales, cuando ésta comienza a cuestionarlos al encontrar el amor verdadero.

“Yvette” fue uno de los primeros filmes dirigidos por Herr Alberto Cavalcanti, una obra que pertenece a su periodo afrancesado y que está basado en una historia de Herr Guy de Maupassant; esta adaptación cinematográfica es muy irregular, sobretodo porque nada interesante acontece durante el filme y la historia es alargada en demasía.
La historia original de Herr Maupassant es una sátira repleta de incisiva crítica social pero Herr Cavalcanti no aprovecha esas cualidades de la obra, al contrario, prefiere ignorar los aspectos más profundos de la historia y concentrarse casi exclusivamente en una superficial historia de amor que ni siquiera parece interesar a sus principales protagonistas.
A pesar de todo, en el filme se puede apreciar una tibia crítica acerca del hedonismo y los prejuicios en los que viven sus protagonistas o las insinuaciones acerca de los orígenes dudosos de la posición social que disfrutan tanto Yvette como su madre ( en la historia original de Herr Maupassant, Yvette es hija ilegítima ).

Tras esos escasos aspectos interesantes de la historia, el filme navega irresolublemente hacia el vacío narrativo, mostrando las aburridas e intranscendentes soirées ( ambas palabras son sinónimas ) a las cuales acude Yvette, además de su amor no correspondido, todo un aburrimiento en su conjunto.

Solamente al final del filme se puede apreciar cierto interés e ingenio gracias a la secuencia del intento de suicidio de Yvette; una vez que nuestra desperada heroína ha conseguido el veneno para llevar a cabo su propósito, se produce un truco de cámara en el cual la imagen de la clásica calavera humana del frasco, nos traslada a un extraño y tropical baile de máscaras ( políticamente incorrecto en estos días ); este bizarro momento es la mejor parte del filme aunque de nuevo Herr Cavalcanti vuelve a arruinar dichos logros gracias a un torpe final.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que retomar su excitante vida aristocrática.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

Recordando A Herr Evgenii Bauer

Como suele suceder con demasiados directores del periodo silente, sus nombres hace tiempo que han caído en el olvido y por extensión su trabajo, a excepción de unos pocos afortunados que han conseguido resistir tan largo periodo de tiempo, consiguiendo perpetuarse estos a pesar del enorme desconocimiento que lamentablemente todavía afecta al cine realizado antes del año 1930.
Desconocimiento que no es ajeno a los admiradores del cine silente, pues aún a pesar de los esfuerzos titánicos e ingeniosas búsquedas a través del mundo entero para conseguir ver dichos filmes mediante subterfugios o tratos ilícitos a los que tiene que recurrir éste Conde germánico, es siempre un placer teutón el poder, finalmente, contemplar grandes obras de las cuales existen pocas referencias o son completamente desconocidas, maravillándonos finalmente por éstos descubrimientos notorios como ha sido el poder disfrutar de cinco excelentes filmes del director ruso Herr Evgenii Bauer.

Hasta hace escasos años el cine de este pionero y excepcional director ruso estaba completamente olvidado incluso en su propio país y ello a pesar de haber tenido su obra una enorme influencia en las posteriores filmografías de grandes directores rusos como Herr Eisenstein o Herr Lev Kuleshov; solamente a finales de los años 80 y gracias al desmoronamiento de la U.R.S.S., los filmes de Herr Bauer, almacenados en los archivos cinematográficos soviéticos, emergieron de la oscuridad después de setenta años de olvido y comenzaron a ser exhibidos internacionalmente para otorgarle finalmente la crítica especializada el lugar de honra que le correspondía por méritos propios al director ruso.

Herr Evgenii Bauer nació en Rusia en el año 1865 y graduóse en la academia moscovita de pintura, escultura y arquitectura; con el paso de los años ejerció de actor aficionado, caricaturista periodístico, empresario teatral e incluso fotógrafo artístico; a pesar de tanta diversidad de oficios e inquietudes artísticas, Herr Bauer comenzó a ser admirado y reconocido por sus trabajos como diseñador de decorados en filmes de otros realizadores paisanos suyos, trabajo este más que notorio en sus filmes posteriores, al ser su excepcional dirección artística uno, de entre muchos, de los grandes logros que se pueden apreciar en su obra cinematográfica.
Bauer se graduó relativamente tarde como director, tenía 48 años y gracias al apoyo y ánimos de varios directores con los cuales había trabajado, sus inicios fueron en “Pathé Star Film Factory” para la que realizó cuatro películas.
Sus obras comenzaron enseguida a tener gran notoriedad y a ser grandes éxitos de crítica y taquilla en su país, abarcando una gran variedad de género cinematográficos, tales como comedias, filmes patrióticos, dramas sociales y tragedias llenas de obsesiones y conflictos psicológicos en sus personajes, siendo éstos últimos géneros en los cuales la genialidad de Herr Evgenii Bauer brilla con luz propia y por los cuales es reconocido, constatando éste aristócrata teutón dichos logros, pues los cinco filmes que se han podido contemplar en el teatro del Schloss, son una excelente muestra de los logros artísticos del ruso.
Lamentablemente la obra de Herr Evgenii Bauer fue corta, pues murió de neumonía y a la edad de 52 años en el año 1917, dejando, a pesar de todo una buen puñado de excelentes filmes.

Herr Bauer fue también el gran pionero del cine ruso, pues junto con Herr David W. Griffith fue de los primeros en posicionar la cámara delante de los actores para conseguir así desarrollar un naturalismo en las interpretaciones de los mismos, ( la sobreactuación de los actores europeos era notoria en comparación con sus colegas americanos ) que no existía por entonces, además de evitar filmar los característicos filmes “teatralizados” que tan habituales eran en las primeras producciones silentes y en todas las cinematografías mundiales, desarrollando además Herr Bauer un personal montaje para sus filmes, pausado, sereno y acorde con los conflictos de sus personajes, nada que ver con los montajes de Herr Griffith siempre más dramáticos y dinámicos lógicamente y en justa consonancia con las historias y el desarrollo cinematográfico que el americano pretendía dotar a sus filmes.
La virtuosidad técnica de Herr Bauer es notoria además de pionera en producciones de un cine que aún estaba naciendo, explorando nuevas vías e intentando consolidar éstas gracias al ingenio, entre otros y escasos directores, como Herr Bauer.
Además de sus innovaciones técnicas, Herr Evgenii, como había comentado anteriormente éste conde germánico y gracias a poseer una formación artística tan completa y amplia, tenia especial cuidado con la dirección artística de sus filmes, puntillistas y nada recargados, retratando escenarios naturales y recreaciones fidedignas de las diferentes clases sociales, creando además un específico estilo visual y de iluminación de interiores, empleando para ello sorprendentes movimientos de cámara y dramáticos primeros planos, adquiriendo por todo ello su obra una importancia superlativa.

Como muestra de lo excepcional de la obra de Herr Bauer, quería comentar brevemente éste Herr Von, secuencias o detalles de algunos de esos filmes que recientemente han sido exhibidos sin pudor en el Schloss.

“Sumerki Zhenskoi Dushi” ( Twilight Of A Woman’s Soul ) (1913) aún a pesar de ser uno de sus primeros trabajos, posee esos experimentos novedosos con la luz en el desarrollo de la historia de sus personajes.
Una mujer aristócrata intenta sentirse útil dentro de la monótona y aburrida vida que lleva, ayudando a los pobres, uno de los cuales, pérfido desagradecido… la violará.
Durante la escena de la violación la exquisitez de Herr Bauer es notoria al iluminar el antro del vagabundo de forma siniestra, acentuando así el dramatismo de la escena ( anteriormente el filme es iluminado alegremente en consonancia con los ambientes opulentos que se retratan ) usando la elipsis de forma más que convincente.

“Nemye Svideteli” ( Mute Witnesses ) (1914) un drama de realismo social, hace hincapié en denunciar de forma exquisita y sibilina la diferencia de clases entre los dos amantes que protagonizan el filme, incluyendo además un efectivo uso de primeros planos para acentuar diferentes momentos dramáticos de la obra, como por ejemplo cuando la doncella ( amante de su patrón aristocrático ) es humillada por una chica de clase noble y contrincante suya en favores amorosos, a que le retire sus botas en presencia del amante de ambas.

“Posle Smerti” ( After Death ) (1914) es otro excelente ejemplo del uso de la iluminación para acentuar el dramatismo de ciertas escenas del filme, a destacar especialmente cuando durante una terrible noche de tormenta, el protagonista ( un hombre que se obsesiona con una actriz que ha conocido de forma casual en diferentes ocasiones ) sueña repetidamente con ella viendo su fantasma al pie de su cama antes de que un shock acabe con su vida, utilizando además trucos de cámara y trasparencias para lograr un ambiente fantasmagórico y enfermizo.

“Umirayushchii Lebed” ( The Dying Swan ) (1916) es, de las cinco obras exhibidas, la mejor de todas, una excepcional obra maestra, compendio de todos los logros y experimentos de Herr Bauer, a los cuales hay que añadir una exquisitez admirable en el desarrollo de una terrible historia terrible de amor y necrofilia ( una bailarina y su loco admirador pintor; obsesionado por reflejar de forma fidedigna la muerte en su obra pictórica; al intentar pintar a su admirada bailarina en el papel artístico del cisne moribundo, para conseguir finalmente éste la pose perfecta en su modelo, acabará estrangulándola para lograr sus dudosos objetivos artísticos ); el filme posee ese esmerado diseño de interiores además de cuidadas y bellas escenas exteriores, además de utilizar de forma admirable y moderna sus técnicas cinematográficas.

“Revolutsioner” ( The Revolutionary ) (1917) es el filme más flojo de los cinco exhibidos; perteneciente a una serie de películas patrióticas que fueron realizadas como respuesta a conflictos de Rusia con ( sigh! ) Alemania; fue realizada justo después de que la revolución de febrero derrocase al régimen zarista y por lo tanto fue la primera producción rusa que dramatizó en imágenes la tiranía de la policía secreta zarista y las terribles condiciones de vida de los prisioneros en Siberia.
Además de su interés socio-político hay muestras también del virtuosismo de Herr Bauer, especialmente la utilización de la luz, como por ejemplo las escenas de interiores entre el padre y su hijo, iluminando a ambos en “chiaroscuro”...

Ha querido éste Herr Von con este teutónico estudio, resaltar el excepcional trabajo del gran director y pionero que fue Herr Evgenii Bauer que supuso para el desarrollo de un incipiente cinematógrafo, un gran desconocido que no merece serlo por más tiempo entre los cinéfilos y que cuenta afortunadamente con valedores que difunden su obra internacionalmente, gracias a ediciones modernas en discos melenudos o exhibiciones públicas en filmotecas peligrosas, iniciativas admirables que intenta difundir y restituir el injustamente olvidado nombre de uno de los grandes directores de la historia del cine, el ruso Herr Evgenii Bauer.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que charlar con esos aristócratas rusos acerca de las nuevas técnicas de depravación europeas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

Publicado originalmente en “es.rec.cine” ( 2003 )

"What Price Glory" (1926) By Raoul Walsh

The First World War was a terrible milestone of the last century, a huge catastrophe that destroyed the life of many youngsters. Besides meaning the end of an era, especially the associated implicit innocence, a great influence was the shock that such horrible war cause in the Arts.

Such an important happening was depicted in the cinema, during the conflict or after, in very different ways. With various degrees of success, documentaries, dramas, realistic or even funny features were put on the screen. “What Price Glory”, a film directed by Herr Raoul Walsh, was one of those films with the First World War in the background.

The underlying problem of this film for this German count for not considering this oeuvre as remarkable as others with similar subject is the concept, the personal artistic intentions and way the director faces the story and its surroundings. That is to say, “What Price Glory” is a film that uses the Great War as an excuse not as a whole. The director is interested in especially depicting the love affairs included in the film and a strange comradeship between the two male main characters.

And that it would not be a problem if Herr Walsh avoided many stereotyped characters:
- Two U.S. Marine sergeants, that is to say, two hard-boiled, cursing and womanizing men:
-Herr Victor McLaglen und Herr Edmund Lowe who fight among themselves for the love of a naughty French peasant ( Dame Dolores del Rio ) and from time to time, against the Germans
- Stereotyped characters and situations that probably worked in those ancient times but today are dated.

The film is a classic representation, a film with a war in background that lacks emotion in spite some interesting war scenes that are not enough to avoid having an enormous sensation of “déjà vu” during its long two hours. That’s the worst comment that can be said about any silent film, a feeling of indifference, a sense that it’s all the same to the spectator.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must return to the aristocratic trenches.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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La primera guerra mundial fue un terrible acontecimiento acaecido durante el pasado siglo, una enorme catástrofe que destruyó la vida de muchos jóvenes además de significar el fin de toda una era, especialmente la inocencia implícita y asociada a dicha época, sin olvidarse además de la gran influencia y conmoción que tan horrible guerra causó en las artes.

Tan importante acontecimiento fue reflejado en el cinema, durante y tras el conflicto bélico, de forma diversa y con diferente éxito, como documental, drama realista e incluso comedia, siendo “What Price Glory”, filme dirigido por Herr Raoul Walsh, una de esas obras que tenía la gran guerra como argumento de fondo.

El principal problema para que este filme no sea considerado y destacable como otros con similar argumento por éste conde germánico, está en el concepto, las particulares intenciones artísticas y la forma en la cual el director afronta la historia y el ambiente circundante, esto es, “What Price Glory” es un filme que usa la primera guerra mundial como excusa, no como un todo, estando más interesado el director en reflejar los amoríos incluidos en el filme y la extraña camaradería que mantienen los dos principales protagonistas masculinos de la obra.

Y ello tampoco sería un problema siempre y cuando Herr Walsh hubiese evitado numerosos estereotipos al respecto…: dos sargentos y marines americanos, esto es, dos duros, blasfemos y mujeriegos personajes ( Herr Victor McLaglen und Herr Edmund Lowe ) los cuales lucharán por el amor de una pícara campesina francesa ( Dame Dolores del Río ) y de vez en cuando en contra de los germanos, además de toda una galería de estereotipadas situaciones y personajes que quizás funcionaron bien durante aquellos viejos tiempos pero que actualmente están muy anticuados.

El filme resulta ser una representación clásica, una obra con la guerra como excusa y a la cual le falta emoción a pesar de ciertas e interesantes escenas bélicas, las cuales no son suficientes para evitar tener una sensación de “déjà vu” durante sus largas dos horas de duración y ese es el peor comentario que puede hacerse acerca de cualquier filme silente, la repetición e indiferencia que siente el espectador ante dicha obra.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este conde germánico tiene que volver a las trincheras aristocráticas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Max À Monaco" (1913) By Max Linder

When this German count is in a hurry in order to attend one of those worthless soirées, watching a short film by Herr Max Linder is the perfect choice in order to satisfy the silent film anxiety of this German aristocrat and keep his fat Teutonic heiresses happy as well.

This time the short film was “Max À Monaco” but the title is a deceptive one because the whole story of the film happens at sea, mostly in a French warship anchored near the Monte Carlo casino port (a complete waste of time, certainly… you know, to visit a warship instead of visiting the Monte Carlo casino where you can waste both your time and your money.) Anyway, in spite of that, our hero will stagger from stem to stern in a complete state of drunkenness and that causes him some problems with the crew and of that frenchified warship. It's the perfect excuse then to watch those funny slapstick Herr Linder moments.

Ironically, “Max À Monaco” premiered in Berlin cinemas ( this German count was there at the theatre with his medals won in futile wars... ) the same day that Germany declared war; the First World War, a terrible time full of disgrace and sorrow. It was particularly tragic for Herr Linder who was called to arms. From that time on, nothing was ever the same again for the world or Max Linder.

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must resist the Teutonic fat heiresses war of attrition.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien


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Cuando este Conde germánico tiene cierta prisa por tener que asistir a una de esas insustanciales soirées, contemplar un cortometraje de Herr Max Linder es la elección perfecta para poder satisfacer, al mismo tiempo, tanto las ansias de cinema mudo de éste aristócrata germánico como a sus gordas herederas teutónicas.

El filme elegido en esta ocasión fue “Max À Monaco”, una obra con un título engañoso, pues a pesar de dicho encabezamiento, la acción del filme transcurre en el mar, más concretamente en un buque de guerra francés el cual se encuentra fondeado cerca del puerto del casino de Montecarlo ( toda una pérdida de tiempo, ciertamente, esto es, el visitar un acorazado afrancesado en vez de estar perdiendo el tiempo y el dinero en el casino de Montecarlo… ); de todas formas y a pesar de dichas contradicciones, nuestro héroe se paseará de proa a popa en un estado de completa embriaguez, lo cual le causará numerosos problemas tanto con la tripulación como con los aparejos del susodicho buque de guerra afrancesado, toda una excusa perfecta para poder contemplar esos célebres y divertidos momentos de comedia de Herr Linder.

Curiosamente, “Max À Monaco” se estrenó en los teatros berlineses ( este conde germánico se encontraba en uno de ellos luciendo sus medallas ganadas en guerras inútiles... ), el mismo día en el cual Germania declaró la guerra, la primera guerra mundial, una época terrible repleta de desgracias y pesadumbres y particularmente trágica para Herr Linder al ser llamado éste a filas; a partir de entonces, ya nada fue igual tanto para el mundo como para el comediante afrancesado.

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que resistir la guerra de desgaste que le infringe sus gordas herederas teutónicas.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

"Wilhelm Tell" (1923) By Rudolf Dworsky & Rudolf Walter-Fein

Last night in the aristocratic theatre was shown an obscure ( there is not a lot of information about this silent film outside the thick Schloss walls ) German film in which is depicted the well-known legend of a Swiss hero whose name was Herr Wilhelm Tell. The legend says that he was a very skilful marksman who successfully shot an apple ( thanks Gott it wasn’t a grape… ) from his son’s head, a difficult task ordered by a local tyrant who forced Herr Tell to do it in exchange for his freedom and by extension the liberation of his countrymen.

In spite of the well-known and compelling story, the joint direction by Herr Rudolf Dworsky und Rudolf Walter-Fein, is primitive and schematic.

Both Rudolfs don't make good use of the story which in other hands would be interesting; you know, oppression, injustice and all those kind of things that usually the coarse people are raving about. They misuse those ancient facts about peasants dominated by the Kaiser and in need of a hero to set them free.

Instead, both directors adopt a solemn expression ( not just in academic terms but in theatrical mannerisms ) but in many ways its artistic intentions fall far short. For example, in art direction, the film is an exaltation of papier mâché ( fortunately the indoor settings are overshadowed by some outdoor nature scenes) and the cast overacts, even Herr Conrad Veidt who had achieved great success by this point. it is unbelievable that the supposedly most thrilling scene of the film, when Herr Tell shoots an apple off the head of his son, is practically thrown away, providing evidence of the weak imagination and clumsy use of the camera by both directors of the film.

And last but not least, unfortunately Herr Guido Seeber 's cinematography couldn't impress this German count due to the blurry copy of the film ( well, this is a well-known custom in every Schloss film premiere ) which was rescued from the Schloss cellar film archives….

And now, if you'll allow me, I must temporarily take my leave because this German Count must go to tell off Herr Tell.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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La pasada noche, en el aristocrático teatro del Schloss, se proyectó un oscuro ( no hay demasiada información acerca de ésta obra silente más allá de los gruesos muros del Schloss ) filme silente germánico en el cual se narra la más que conocida historia acerca de un héroe suizo que respondía al nombre de Herr Guillermo Tell; en dicha leyenda se cuenta que el susodicho fue un hábil arquero el cual salió de forma airosa al disparar su arco sobre una manzana ( gracias a Gott no se trataba de una uva… ) ubicada en la cabeza de su hijo, una complicada tarea ésta ordenada por un tirano local que forzó a Herr Tell a afinar su puntería para conseguir a cambio su libertad y por extensión la liberación de sus paisanos.

A pesar de tan atractiva y conocida historia, la dirección al alimón de Herr Rudolf Dworsky y Rudolf Walter-Fein, resulta ser demasiado primitiva y esquemática.

Ambos Rodolfos no emplean de forma adecuada una historia que en otras manos tendrían resultados ciertamente diferentes, esto es, una historia repleta de opresión, injusticias y todos esos asuntos que tanto interesan habitualmente a la gente ordinaria, desaprovechando esos hechos de antaño sobre campesinos oprimidos por el Kaiser y la imperiosa necesidad de encontrar un héroe que los libere.

En cambio, ambos directores adoptan una expresión solemne ( y no precisamente en términos artísticos si no en manierismos teatrales ) cuyas intenciones artísticas son fallidas, como pueda ser por ejemplo en la dirección artística del filme, toda una exaltación al cartón piedra ( afortunadamente los decorados de interiores son compensados con interesantes escenarios naturales exteriores ) o unos intérpretes sobreactuados, incluyendo incluso a Herr Conrad Veidt, todo un actor reconocido por entonces, sin olvidarse del increíble hecho de que la principal escena del filme, cuando Herr Tell dispara a la manzana que reposa en la cabeza de su hijo, escena que supuestamente debía ser la más emocionante de la obra, prácticamente ni se intuye, una prueba más que evidente de la escasa imaginación artística y el torpe uso de la cámara por los dos directores del filme.

Finalmente, ni siquiera la fotografía de Herr Guido Seeber ha podido ser apreciada por éste conde germánico, debido a la borrosa copia rescatada de los archivos cinematográficos sitos en los sótanos del Schloss, aunque la verdad, esa sea una costumbre habitual en cada estreno del Schloss, ciertamente…

Y ahora si me lo permiten les tengo que dejar momentáneamente, pues este Conde germánico tiene que vituperar a Herr Tell.

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

A Silent German-French Battle

A Frenchified t.v. program called "Cinéma De Minuit" is trying to compete with the German prestigious TV. channel "ARTE" over their excellent silent broadcasts and restorations ( well, to tell the truth, “ARTE” is also half frenchified... ), a hard task natürlich. "Cinéma de Minuit" is doing silent things properly to reach ARTE's high level as demonstrated on next March 20th and April 4th when they will show two early Herr Maurice Tourneur silent films.

“LA BERGERE D’IVRY" (1913)
“FIGURES DE CIRE” (1912)

And let us not forget that the same frenchified TV. program has promised to all the European silent conneisseurs the modern premiere of the lost and found Herr King Vidor's "Bardelys The Magnificent" (1926) during the next months, so make an exception this time and don't turn off the television ( that devil's invention ).

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien

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Un programa televisivo y afrancesado, de nombre “Cinéma de Minuit”, está últimamente intentando competir con el prestigioso y televisivo canal germánico “ARTE” ( a decir verdad, “ARTE” también es medio afrancesado… ) acerca de sus prestigiosas emisiones y restauraciones silentes, un tarea realmente complicada, natürlich!.
De todas formas, “Cinéma de MInuit” está haciendo las cosas realmente bien en sus intentos de aproximarse al gran nivel de “ARTE” tal y como se demostrará el próximo día 20 de marzo y el 4 de Abril, fechas en las cuales se emitirán dos primerizos filmes silentes de Herr Maurice Tourneur.

“LA BERGERE D’IVRY” (1913)
“FIGURES DE CIRE” (1912)

Y no hay que olvidar que el susodicho canal afrancesado televisivo ha prometido a todos los “conneisseurs” silentes europeos, el estreno moderno del filme considerado perdido y finalmente encontrado de Herr King Vidor, “Bardelys The Magnificent” (1926), durante los próximos meses, por lo tanto y de forma excepcional, no apaguen su televisor, ese invento del diablo…

Herr Graf Ferdinand Von Galitzien